Au-delà des limites de teamLab, exposition de rêve à Paris

Fondé en 2001 à Tokyo au Japon par Toshiyuki Inoko, teamLab se définit comme un collectif d’artistes et un groupe interdisciplinaire « ultratechnologistes ». Sa pratique collaborative navigue à la confluence de l’art, des sciences, de la technologie, du design et de la nature. L’équipe se compose de spécialistes de tous horizons tels que des artistes, des programmateurs, des ingénieurs, des animateurs 3D, des mathématiciens et des architectes.

Au-delà des limites à la Villette

Depuis le 15 mai 2018, la Grande Halle de La Villette présente le collectif japonais teamLab. Un projet artistique monumental déployé à 360° sur plus de 2 000 m2. Une expérience visuelle et immersive d’art numérique, sans doute la plus importante jamais présentée à Paris et en France à cette échelle. Elle incite les visiteurs à dépasser leur imagination. Par son concept immersif et interactif, elle repense même le concept d’exposition !

En effet, les œuvres sont créées en temps réel par un programme informatique. Les images ne sont ni préenregistrées ni retransmises. Tous les tableaux des installations évoluent en permanence. Les animations et interactions ne sont jamais observées deux fois à l’identique.

Installation numérique interactive

Dans les installations de teamLab, les œuvres peuvent aussi se déplacer librement, développer des liens et des relations avec le public. Ainsi, elles se calquent sur le temps du corps humain. Bien que les œuvres demeurent autonomes, elles transcendent leurs frontières. Elles donnent naissance à un monde sans limite, d’où le titre de l’exposition.

Sans cesse, les œuvres se transforment en fonction de la présence et des déplacements des spectateurs de passage devenus acteurs. Alors que nous nous immergeons et nous fondons dans ce monde apparemment unifié par l’image de l’art digital, nous explorons une nouvelle relation aux autres qui transcende les frontières entre les individus, l’humanité et le reste du monde. Au final, les visiteurs se perdent dans les œuvres d’art de ce monde de rêve.

Univers de particules d’eau, 2018

« Une énorme chute d’eau dévalant tout l’espace de l’exposition. L’eau est représentée en calculant les interactions au sein d’un flux continu composé de centaines de milliers de particules d’eau. Ensuite, les lignes sont dessinées en fonction du comportement de ces particules d’eau. L’accumulation de ces lignes représente une cascade. Lorsque les gens se tiennent sur la cascade ou lorsqu’ils la touchent, ils obstruent l’écoulement de l’eau comme une roche venant modifier le flux de l’eau. Le flux d’eau continue de se transformer en raison de l’interaction des personnes. Les états visuels précédents ne pourront jamais être reproduits et ils ne se répéteront jamais. Le flux de la cascade influence les autres œuvres ».

Les fleurs et personnes ne peuvent être contrôlées, mais elles vivent ensemble, 2017

« Cette œuvre est en perpétuel changement : en l’espace d’une heure, les fleurs s’épanouissent et se disséminent au rythme des quatre saisons. Une heure pendant laquelle elles naissent, grandissent et s’épanouissent, puis finissent par parsemer l’espace pour mourir. Le cycle de la vie et de la mort se répète alors, voué à l’éternité. Lorsque les visiteurs restent immobiles, davantage de fleurs naissent, si les gens touchent les fleurs et se mettent à marcher, les fleurs se disséminent à l’unisson. L’œuvre d’art influence les autres œuvres, tandis que les fleurs se disséminent en raison de l’influence des autres œuvres ».

 Les esprits des fleurs, 2018

« Tout au long de l’année, les fleurs géantes fleurissent, se disséminent et se transforment au rythme des quatre saisons dans cette installation numérique. Les fleurs sont interactives : en fonction de la proximité du spectateur par rapport à l’œuvre, celles-ci prennent vie ou perdent leurs pétales, se flétrissent ou meurent toutes à l’unisson ».

« Il ne s’agit ni d’une animation préenregistrée, ni d’une animation en boucle : l’œuvre est rendue en temps réel via un programme informatique. L’interaction entre le spectateur et l’installation provoque un changement continuel de l’installation : les séquences ne pourront jamais être reproduites et ne se répéteront jamais ».

Graffiti Nature – Montagnes et Vallées, 2016

« Cette installation numérique interactive est littéralement créée par le visiteur. Graffiti nature dessine elle-même des animaux et des fleurs, afin de créer son propre univers en lien avec la nature. Toutes ces créatures font partie d’un seul écosystème et interagissent entre elles : les animaux dessinés par les visiteurs seront mangés ou en mangeront d’autres, sans quoi ils sont voués à mourir et à disparaître. Les papillons se reproduisent là où les fleurs éclosent. Piétinés trop longtemps, les crocodiles disparaîtront, mais en se tenant immobile, le visiteur verra des fleurs s’épanouir autour de lui. Un pas de plus… et les fleurs se disperseront ».

La paix est possible même sans ordre, 2012-2018

« Cette installation numérique interactive compte d’innombrables silhouettes translucides. Chaque personnage de l’œuvre est autonome. Ils jouent des instruments et dansent, tandis que chaque individu est influencé par les sons des personnages proches. Il n’y a pas de personnage principal qui supervise ou influence tous les autres danseurs, ni aucun centre ou ordre imposé à la foule. Les événements externes peuvent causer le désordre, mais la paix sera progressivement rétablie avec le temps ».

Le chemin de la mer, 2018

« Lorsque l’on se positionne dans une zone particulière de l’espace, la frontière entre les murs et le sol disparaît, l’espace réel se dissout, puis vous êtes attiré dans l’installation. Les traces des poissons commencent à apparaître dans l’espace tridimensionnel, tandis que les limites entre le corps humain et l’œuvre commencent à se décomposer ».

Vie transitoire, 2018

« Les personnes créent de l’espace et du temps, à la rencontre de leur espace-temps naît un nouvel espace et un nouveau temps. Dans cette installation numérique interactive, à l’arrière-plan, les fleurs de cerisiers fleurissent et se disséminent, le cycle de la vie et de la mort se répète. Lorsque les visiteurs entrent en contact avec l’espace, un cercle naît et grandit en rayonnant selon un certain rythme et selon un intervalle spécifique. Ce cercle naissant ne transforme que la lumière et l’obscurité du monde en arrière-plan ».

teamLab : nouvelles relations entre humain, nature et art

L’objectif du collectif teamLab est d’explorer les nouvelles relations entre l’humain et la nature à travers l’art.

« Les technologies numériques nous ont permis de libérer l’art du plan physique et de transcender les frontières. Nous ne voyons pas de séparation entre nous et la nature : les deux forment un tout. Tout prend place dans la longue, fragile mais toujours merveilleuse continuité de la vie ».

Toshiyuki Inoko, teamLab

Le collectif a fait l’objet de nombreuses expositions à travers le monde : Tokyo, Milan, Paris, Londres, Singapour ou récemment à la National Gallery of Victoria de Melbourne… Chacune d’elles a été un immense succès public et critique.

Plusieurs institutions accueillent aussi des œuvres de teamLab pour leurs collections permanentes : l’Art Gallery of New South Wales en Australie, l’Asian Art Museum aux États-Unis, la Borusan Contemporary Art Collection en Turquie et la National Gallery of Victoria en Australie.

Enfin, le 21 juin 2018, teamLab ouvrira son propre musée dédié à ses créations digitales à Tokyo. 520 ordinateurs et de 470 vidéo projecteurs, une première mondiale !

Art digital visionnaire de Toshiyuki Inoko

Pendant le Forum économique mondial 2016, le fondateur de teamLab, Toshiyuki Inoko, est intervenu. Retour sur sa conférence sous-titré en Anglais.

Approfondir le sujet

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